Soul review: un regreso triunfal a la narración más ambiciosa de Pixar

Hubo un tiempo, no hace mucho, en el que parecía que Pixar Animation Studios estaba redefiniendo las películas animadas con cada nuevo lanzamiento, a través de desarrollos técnicos y ambición narrativa. En una era de gráficos por computadora visualmente sofisticados y una narración animada rica y emocional, es fácil olvidar lo aburridos que podían ser los proyectos animados en los días anteriores a Pixar, cuando la mayoría de los cineastas de animación estadounidenses se dedicaban a simplificar las películas de Disney.

Pero Pixar tropezó un poco después del triunfo narrativo de Toy Story 3. El enfoque del estudio se desplazó hacia las secuelas, mientras que las películas originales Valiente y El buen dinosaurio pasó por procesos de producción problemáticos y salió visiblemente marcado en el otro extremo. Por cada acto inspirado de creatividad colectiva como De adentro hacia afuera o Coco, había una película de Pixar bastante decente que carecía de la profundidad de sentimiento o enfoque que hizo el nombre del estudio. Incluso la historia original más reciente de Pixar, 2020 Adelante, es, en el mejor de los casos, un relato afable de un perro peludo que parece completamente empeñado en hacer que los tropos de fantasía épica sean lo más mundanos y cotidianos posible.

Todo lo cual ayuda a explicar por qué, para los fanáticos de Pixar desde hace mucho tiempo, la nueva película del estudio Alma se siente como un emocionante regreso a la forma. La película, que ahora se estrena directamente en Disney Plus, es otro pionero, con el primer protagonista negro del estudio y el primer enfoque en la comunidad negra, las relaciones y el arte. Los directores Pete Docter y Kemp Powers y su coguionista Mike Jones llevan la película a un nuevo y sorprendente reino visual en el que pueden satisfacer por completo su imaginación. Pero sobre todo, Alma

se siente como las mejores películas de Pixar que solían sentirse: profundamente humanista, con un humor tonto y amigable para los niños y una solemnidad sincera que se siente completamente adulta. Docter y Powers convierten todo esto en un arma en una historia que cuestiona literal y directamente el significado de la vida.

Tan pequeño como es el primer plano, es un recordatorio de lo sofisticada que puede ser la animación de Pixar. Los directores comienzan de cerca a los ojos de Joe Gardner (Jamie Foxx), un músico de jazz de Queens que se gana la vida a tiempo parcial dando clases de banda en la escuela secundaria. Mientras escucha el último asalto de sus estudiantes a la música (una versión tambaleante del estándar de Disney “When You Wish Upon a Star”), Joe se ve afectado por las notas planas y la discordancia fuera de tempo. Pero también mantiene una sonrisa enfermiza pegada en su rostro mientras intenta alentar a sus hijos a que se preocupen por lo que están haciendo y a buscar momentos en los que encajen completamente en el ritmo.

Esa es una gran cantidad de configuración de personajes para una expresión facial, pero la claridad de la expresión del rostro de Joe en ese momento de apertura dice mucho sobre lo lejos que Pixar ha sacado a sus personajes CGI del valle inquietante. En esa única mirada a los ojos doloridos y esforzados de Joe, el público ya sabe que le importa la música y que le inculca a los niños de su clase la pasión que siente por ella. Quiere animarlos y apoyarlos. Tampoco puede creer en lo que se ha convertido su vida. Cuando el director de la escuela le ofrece un puesto de tiempo completo, con beneficios, parece más consternado que emocionado. Lo que ella ve como estabilidad y permanencia, él ve como renunciar a su sueño de ser un verdadero músico de jazz.

Joe es un pianista, y uno bueno, pero nunca tuvo su oportunidad en la industria, y ha tenido una vida bastante aburrida mientras mantiene todos sus otros planes en espera. Luego, un ex alumno, Curley (con la voz de Questlove) lo llama para ofrecerle una audición con la imperiosa saxofonista y líder de banda Dorothea Williams (Angela Bassett, en su máxima expresión altiva). Joe supera la audición y está seguro de que su vida real está a punto de comenzar, cuando tiene un accidente fatal y termina en el Gran Más Allá. Tratando de volver a su cuerpo, se topa con el Gran Antes, donde las almas desarrollan su personalidad y están preparadas para dirigirse a la Tierra y nacer en cuerpos. Junto con un alma malcriada designada como 22 (Tina Fey), trama un plan para secuestrar el proceso y volver a su vida a tiempo para dejar su huella en el jazz.

Alma se mueve a una velocidad bastante vertiginosa durante gran parte de la historia. Las circunstancias de Joe cambian constantemente en los dos primeros actos de la película: casi en el momento en que el público percibe quién es y adónde va, se les da un nuevo escenario y un nuevo conjunto de imperativos. Pero la película nunca se siente desorientadora o apresurada como resultado, y todo está al servicio de establecer un contraste con un tercer acto más lánguido y evocador que se ralentiza lo suficiente como para hacer algunas preguntas importantes sobre el propósito y el significado.

Eso no se interpone en el camino de la comedia de payasadas imprudente que tan a menudo marca las películas animadas. Docter es un veterano de Pixar que ha dirigido algunas de las mejores características del estudio (Monstruos inc., Arribay De adentro hacia afuera), y justo cuando las tres películas alternan emocionantes ritmos con muchas carreras bulliciosas, Alma mantiene el mismo ritmo. La comedia real no comienza por completo hasta que Joe y 22 conocen a una especie de pirata hippie de la otra vida llamado Moonwind (Graham Norton), pero su entrada en la historia lanza una trama secundaria maníaca que se centra en la relación en desarrollo entre Joe y 22.

Y a través de los 22, los guionistas y directores pueden examinar las maravillas más pequeñas y alegres de la vida. 22 es una criatura visualmente simple, poco más que una piruleta brillante con ojos y dientes, que carece de toda la especificidad y los detalles básicos que la película aporta a sus diversos vecindarios de Nueva York. Debido a que el alma literalmente nunca ha vivido, y no ve el atractivo de un cuerpo físico o la vida en una Tierra defectuosa y aterradora en un traje de carne que falla gradualmente, Joe tiene el desafío de mostrar de qué se trata la vida. Al igual que lo hace con sus alumnos, tiene que hacerlo a través de su propia perspectiva de la vida y sus propias fascinaciones y amores. Es brusco y exigente con todo, porque está operando con una fecha límite: se acerca su primer concierto con Dorothea y no quiere perderse.

Si hay un defecto en Alma, es que los aspectos de comedia de la película pueden parecer un poco desmesurados al lado de sus momentos más reflexivos. La audición de Joe para Dorothea, donde se pierde en la creación de música, es una dulce maravilla, y su llegada al Gran Antes es una sorprendente serie de revelaciones visuales, ya que conoce a una serie de seres superiores llamados Jerry (con la voz de Alice Braga y Richard Ayoade, entre otros) que lucen igualmente inspirados por Pablo Picasso y Al Hirschfeld. La transición del primer acto de la especificidad fundada de una escuela y sastrería de Queens (donde la madre desaprobadora de Joe, con la voz de Phylicia Rashad, domina) a la reconfortante suavidad en tonos pastel del Gran Antes es bastante impresionante. La comedia física tonta no puede estar a la altura de ese tipo de estándar.

Pero las innovaciones visuales de la película contribuyen en gran medida a establecer un sentido de buena voluntad que conlleva la acción más tonta y repetitiva. Los directores claramente pensaron mucho en diseñar un mundo de otras dimensiones que parece desconocido, pero suave y reconfortante, una especie de cuna tierno que todavía se siente sorprendentemente extraño. Incluso la transición de Joe de Beyond to Before se siente como un showreel, una serie de experimentos visuales vertiginosos donde la imaginación de los cineastas obtiene el tipo de rienda suelta que se está volviendo menos común a medida que la animación se acerca implacablemente al realismo visual.

El tercer acto de la película vuelve a unir la historia. Una escena simple en la que un personaje mira hacia un árbol, con la luz del sol filtrándose a través de las hojas y cayendo sobre su rostro, es tan cálida y reconfortante como cualquier cosa que Pixar haya hecho. Alma responde a preguntas como “¿La fantasía está a la altura de la realidad?” y “¿Pueden realmente satisfacernos las elecciones que dan sentido a nuestras vidas?”, pero sus mejores revelaciones provienen de sus momentos de quietud y sencillez. Un montaje tardío, en el que Joe toca el piano y recuerda escenas de su vida, recuerda la profundidad de la emoción agridulce y complicada que solían tener todas las películas de Pixar.

Y eso más que nada es lo que hace Alma siento como un regreso a los días más atrevidos de Pixar. Las mejores películas del estudio siempre se han centrado en diferentes tipos de especificidad sorprendente, desde los familiares juegos de simulación de la infancia en Historia del juguete al ballet espacial sin palabras en PARED-E. Alma tiene grandes mensajes e imágenes divertidas, pero en última instancia es el tipo de película que anima a las personas a apreciar todas las pequeñas alegrías de la vida, a no dar nada por sentado y a ser conscientes de las decisiones que están tomando y del impacto que tienen esas decisiones. .

Alma vendrá para un análisis interminable de los detalles que le dan forma. Uno de sus toques más sutiles pero más atrevidos es que no tiene personajes blancos significativos en absoluto; parece bastante natural que las personas en el círculo más inmediato de familiares y amigos de Joe sean negros, pero también es notable que la autoridad figura en su mundo, desde personajes secundarios (el director, un médico, un policía al azar) hasta los principales (todos los consejeros y relatos del Gran Antes) también son personas de color, de una variedad de géneros y etnias. Esa elección y la visión de la vida de la comunidad negra, en particular la relación de Joe con su madre y la escena de la barbería que define cómo Joe se relaciona con sus amigos, sin duda se estudiarán y examinarán en profundidad.

Tener otra película de Pixar que invite y apoye ese nivel de escrutinio nuevamente se siente como un alivio. Después de una ola de películas de Pixar que hicieron dinero pero no iniciaron conversaciones, eso despertó un interés leve pero no emociones más fuertes, Alma se siente como volver con un viejo amigo para una charla satisfactoria sobre la vida. Es divertido, sorprendente y poderoso, pero sobre todo, se siente como si Pixar regresara a los valores centrales que solían definirla como una casa creativa y volviera al líder inspirador de la industria que solía ser.

Alma se estrena el Disney Plus el 25 de diciembre.